El despertar del dork de Queens: ‘Spider-Man: Homecoming’ y el arte de encoger las apuestas
El inminente estreno este año de Spider-Man: Brand New Day (2026) ha desatado una fiebre arácnida ideal para echar la vista atrás. En Disparate aprovechamos la efeméride para inaugurar un exhaustivo repaso en retrospectiva por las adaptaciones cinematográficas del trepamuros. Y qué mejor punto de partida para este viaje que detenernos en 2017, el año en que Sony Pictures y Marvel Studios sellaron su histórico armisticio para dar luz verde a Spider-Man: Homecoming. Tras la fatiga de materiales que supuso el colapso de la era de Andrew Garfield y el empaquetado de comités de sus dos entregas, el director Jon Watts asumió los mandos de una producción asediada por el escepticismo generalizado. Su respuesta fue tan inesperada como brillante: en lugar de inflar los músculos digitales de la franquicia, Watts decidió empequeñecer las apuestas, devolviendo a Peter Parker al hábitat del que nunca debió salir: el pupitre de instituto, el acné y la clase trabajadora.
Un Peter Parker de clase obrera contra el fantasma del aburrimiento
El gran triunfo de Homecoming no radica en su espectacularidad pirotécnica, sino en su mirada sociológica a pie de calle. El prólogo sacude el tablero al viajar ocho años atrás, conectando los escombros de la batalla de Nueva York de The Avengers (2012) con el nacimiento de su antagonista. Adrian Toomes, interpretado por un colosal e imponente Michael Keaton, no es un científico loco con delirios de grandeza cósmica; es un contratista de Queens desahuciado por el centralismo elitista de Stark Industries que decide reciclar chatarra alienígena en el mercado negro para sacar adelante a su familia.
Al situar el conflicto en una escala de delincuencia de barrio, la película se desmarca del cansino sota-caballo-rey del género. Aquí no hay portales en el cielo ni planetas en peligro. Lo que está en juego es un camión de mudanzas o la supervivencia de una bodega local. En este ecosistema, el Peter Parker de Tom Holland emerge con una frescura sensacional: un chaval de quince años que graba sus batallas con el móvil, que se dobla como un dork incómodo ante las interacciones sociales y que sufre un tierno calvario de deshidratación emocional al intentar compaginar su «pasantía» en Industrias Stark con el club de decatlón académico.
La poética del chándal y el peso de la viñeta número 33
Donde el empaque formal de la cinta exhibe un pulso narrativo inteligentísimo es en la gestión del cordón umbilical que la une al Universo Cinematográfico Marvel. Lejos de convertir a Tony Stark (Robert Downey Jr.) en un deus ex machina invasivo, los seis guionistas lo dosifican con tiralíneas para que actúe como una severa e incómoda figura paterna sustituta. El vacío dejado por la omisión deliberada del tío Ben —un acierto mayúsculo que nos ahorra el enésimo recordatorio del «gran poder y la gran responsabilidad»— se canaliza orgánicamente a través de este tenso choque generacional.
El clímax de la película entrega su mayor golpe de efecto cuando Stark le arrebata a Peter el sofisticado traje tecnológico de alta gama. Despojado de la inteligencia artificial y los paracaídas integrados, el tramo final obliga al héroe a balancearse con un rudimentario pijama de saldo hecho en casa. Es precisamente en este punto de inflexión donde Watts se atreve a replicar uno de los momentos más sagrados de la mitología de Stan Lee y Steve Ditko: la mítica secuencia de The Amazing Spider-Man #33 (1966). Ver a un Holland sepultado bajo una mole de toneladas de escombros de cemento, llorando de puro pánico adolescente antes de encontrar la fuerza en su propia condición humana, condensa la verdadera esencia de un personaje que brilla más cuanto más sucia tiene la cara.
Secundarios de oro, layouts urbanos y las costuras del croma
El retrato coral del instituto de Queens dota a la función de un color y una textura urbana formidables. El Ned de Jacob Batalon funciona como el perfecto contrapunto cómico y confidente, mientras que la magnética y cínica Michelle de Zendaya se adueña de cada plano con apenas tres líneas de diálogo, anticipando el potencial destructivo que explotaría en las secuelas. Incluso la renovada y optimista tía May de Marisa Tomei insufla una agradecida ligereza que rompe con el melodrama lacrimógeno de antaño.
Sin embargo, la propuesta no está exenta de las costuras industriales propias del engranaje Marvel. El diseño visual flaquea de forma alarmante en ciertas secuencias de acción del segundo acto —especialmente en las escaramuzas nocturnas en los suburbios—, donde los efectos digitales lucen planos, desprovistos de volumen y peligrosamente cercanos a la estética plana de un videojuego de última generación. Asimismo, algunos personajes satélites como el Flash Thompson de Tony Revolori encallan en una caricatura un tanto irritante que desentona con el naturalismo del resto del reparto.
Veredicto: Una deconstrucción luminosa que salvó al trepamuros
A pesar de sus flaquezas cromáticas en los momentos de mayor pirotecnia, Spider-Man: Homecoming se mantiene hoy como un ejercicio de deconstrucción pop modélico. Al sacudirse de encima la solemnidad mesiánica y los algoritmos comerciales de las franquicias hipertrofiadas, Jon Watts firmó una de las cintas más redondas, divertidas y humanas de la factoría. Una pieza con alma, músculo y corazón que devolvió al héroe más callejero de las viñetas su verdadera identidad y que nos deja con los motores completamente revolucionados a la espera de lo que acontezca en Brand New Day. Una revisión obligada para recordar que, a veces, para tocar el cielo, primero hay que aprender a caer con estilo sobre el capó de un coche en Queens.
