La tiranía de la inocencia salvaje: ‘El señor de las moscas’ de la BBC es sobrecogedora
El regreso al formato de la alegoría social descarnada suele ser un deporte de alto riesgo, una ruleta rusa creativa donde las producciones a menudo terminan entregando refritos moralistas que empañan el legado de los clásicos de la literatura. Parecía imposible volver a sintonizar una propuesta basada en El señor de las moscas sin que el chiste de la distopía juvenil sonara rancio o descontextualizado en este año 2026, especialmente tras haber digerido ficciones fuertemente deudoras como Lost o Yellowjackets. Por fortuna, la miniserie de cuatro episodios de la BBC (estrenada globalmente a través de Netflix) ha esquivado los peores vicios de la actualización perezosa para firmar una propuesta modélica, perturbadora y cargada de una madurez visual honesta. El guionista Jack Thorne (Adolescence) y el director Marc Munden (The Sympathizer) demuestran que el colapso de la civilización humana aún conserva su pegada intacta, entregando un relato magro que no solo recupera la arrolladora fuerza del texto original de William Golding de 1954, sino que se atreve a golpear directo en el estómago cuando la barbarie rompe el cascarón de la infancia.
El colapso de la caracola en una isla febril de terror folk
La miniserie estructura de forma brillante su andadura dedicando cada uno de sus capítulos a la perspectiva de sus cuatro pilares fundamentales, desnudando de forma analógica las dinámicas del poder tras un accidente aéreo en mitad del Pacífico. El viaje se inicia con Piggy (un deudor de la racionalidad interpretado por un descomunal David McKenna), el asmático blanco de las burlas que encarna el pensamiento científico junto a Ralph (Winston Sawyers) y su frágil liderazgo democrático. Sin embargo, este oasis institucional pronto se ve saboteado por la entrada en escena de Jack (Lox Pratt), el carismático líder del coro reconvertido en un caudillo fascista y tribal que explota el miedo colectivo a una supuesta «bestia» en la jungla. El director Marc Munden aprovecha al máximo los exteriores de Malasia filmando con cámaras infrarrojas que hacen que la vegetación brille en tonos flúor, rosas y anaranjados, inyectando a la isla una atmósfera alucinatoria de absoluto horror cotidiano, magistralmente apuntalada por la música tribal y disonante de Cristobal Tapia de Veer.
La tiranía de la psicología frente al salvajismo analógico
Donde la producción muestra sus costuras de forma más evidente es en la concesión a ciertos tics de la psicología moderna y la necesidad de estirar la trama en su tramo intermedio. El empeño de Thorne por rellenar el misterio elemental con flashbacks y traumas familiares explicativos sobre el origen de la crueldad de Jack o la fragilidad de Simon (Ike Talbut) termina por restarle fuerza mitológica a la parábola original, reduciendo el salvajismo a un mero problema de terapia no resuelta. Asimismo, el metraje abusa de un ritmo contemplativo y de un truco formal divisivo que desatura la paleta cromática durante las escenas de mayor violencia física, un bache que afortunadamente se compensa gracias al brutal magnetismo de su elenco. Ver a niños reales —y no a veinteañeros de gimnasio— untarse el rostro con maquillaje robado para desatar cacerías humanas resulta una experiencia visceral y trágica que sabe hablar de la muerte sin renunciar a la poética visual; un tratamiento de choque redondo que nos deja claro que, cuando se retira el barniz de la ley, la verdadera bestia siempre nos mira desde el espejo.
