La viñeta póster: ‘Avengers vs. X-Men’, el ‘blockbuster’ corporativo más hipertrófico y divertido
Pocas veces una campaña de márketing editorial logró generar tanto estruendo en las estanterías como el desembarco de Avengers vs. X-Men (2012). Concebido por la cúpula de Marvel como el macroevento definitivo destinado a pautar la continuidad de toda una década, el crossover presentaba una colisión de proporciones bíblicas: la plana mayor de los Vengadores frente a la plana mayor de la Patrulla-X con la mítica Fuerza Fénix como detonante nuclear. Doce números troncales, decenas de cabeceras satélite (tie-ins) y un comité de guionistas estrella trabajando a destajo para dilucidar quién golpeaba más fuerte. Visto hoy, una vez disipada la polvareda mediática y el fervor del coleccionista, el evento se revela como el espejo perfecto del cómic comercial de los la década de 2010: un artefacto magnético, pirotécnico y sumamente adictivo que, paradójicamente, fía toda su suerte al espectáculo de masas en detrimento de la densidad dramática que prometía su premisa.
La deconstrucción de Scott Summers frente a la inercia de los Vengadores
El gran pilar moral del relato, y a la postre el mayor triunfo creativo de la saga, es la consagración de Cíclope como el personaje más complejo del siglo XXI en la editorial. Scott Summers, despojado ya de su antiguo rol de alumno boy scout y transformado en un líder pragmático acorralado por la inminente extinción de su especie, defiende el regreso de la entidad cósmica como la última oportunidad de salvación mutante tras los eventos del Día-M. Frente a él, un Capitán América granítico opera bajo la lógica militarista de contener una amenaza planetaria. El dilema ético se vuelve fascinante cuando la Fuerza Fénix se fragmenta en cinco mutantes —los «Phoenix Five»—, quienes erradican el hambre y las guerras en un audaz giro absolutista que plantea si el fin justifica los medios. Sin embargo, a medida que la trama avanza, la sala de guionistas —donde convivían las texturas de Brian Michael Bendis, la gravedad de Ed Brubaker, el pulso callejero de Jason Aaron y la escala conceptual de Jonathan Hickman— claudica ante las exigencias de la empresa, simplificando la sugerente escala de grises inicial para despachar un carrusel de combates gimnásticos donde los Vengadores operan como meros peones funcionales.
El músculo gráfico de los Kubert y Romita Jr. al servicio de la nostalgia
En el apartado formal, Avengers vs. X-Men es una soberbia demostración de músculo industrial y diseño coordinado. El relevo artístico entre titanes como Adam Kubert, John Romita Jr. y Olivier Coipel logra mantener una homogeneidad estética encomiable a pesar de la endiablada logística del proyecto. Cada página doble está diseñada con la vocación de convertirse en un póster para el lector, capturando una fisicidad y una grandiosidad cósmica que justifican por sí solas la adquisición del volumen. No obstante, esa misma obsesión por encadenar un clímax detrás de otro termina por devorar la coherencia psicológica de los héroes, quienes a menudo actúan guiados por las necesidades del guion antes que por sus propias motivaciones históricas. Su valor real, por tanto, terminó residiendo en el riquísimo escenario de tierra quemada que dejó a su paso: la maduración definitiva de la revolución mutante y la siembra de los conceptos de soberanía que, años más tarde, el propio Hickman cosecharía en la aclamada era de Krakoa.
Veredicto: la honestidad del mayor combate de la historia
Avengers vs. X-Men nunca alcanzará la milimétrica cohesión política de la Civil War original, la trascendencia existencial de las Secret Wars modernas o el desgarro íntimo de House of M. Su naturaleza responde más a un diseño de ingeniería corporativa que a la visión genuina de un único autor de cómics. Pero despacharla con condescendencia sería cometer una flagrante injusticia con una obra que nunca engañó a su público: su meta era ofrecer el mayor combate de lucha libre superheroica jamás dibujado. Con sus dilemas morales masticados antes de tiempo y sus desajustes tonales provocados por el exceso de cocineros en la misma cocina, la serie cumple con creces su promesa de épica palomitera. Un testamento de una época industrial hipertrofiada que demostró que, a la hora de retratar la colisión entre el cielo y la tierra, pocas editoriales manejan el gigantismo de las viñetas con la soltura y el magnetismo de la Casa de las Ideas.
